ChrisLee är en Los Angeles-baserad sångare, skivproducent och platinaskrivare. Han började sin karriär med att hjälpa stora artister som Miguel, Busta Rhymes och Shakira på Platinum Sound i New York City. ChrisLee är utexaminerad från Berklee College of Music och var nyligen med i säsong 2 av NBC:s Songland, där han skrev den vinnande Boyz II Men-låten ”Love Struck”. För några veckor sedan kom hans egna singel ”Flight Risk”. Vi ringde upp honom för att få veta lite mer…
Varifrån hämtar du inspiration till dina texter?
Jag plockar nästan alltid inspirationen från mitt eget liv när jag skriver låtar. Särskilt när jag skriver för mitt eget projekt är de flesta berättelser byggda på mina erfarenheter som är sammanflätade i texterna. Det är lite annorlunda när jag skriver för andra. När jag skriver för andra människor försöker jag dyka in i deras liv och deras psyke för att få det att resonera på en djup nivå med dem. Så det är annorlunda varje gång, men det är svårt att inte få med något av mina egna personliga erfarenheter även i dessa fall.
Det är alltid en risk att flyga, men hur skulle du beskriva låten ”Flight Risk?”
Du har arbetat med många stora artister, har du någonsin blivit starstruck?
Jag har definitivt haft några starstruck ögonblick tidigare. Inte i den meningen att jag inte kunde komma på ord eller något liknande. Det är bara galet att se människor personligen som du har sett hela ditt liv i en eller annan form, men aldrig haft någon personlig interaktion med. Jag kommer ihåg att jag kände så med Busta Rhymes, B.O.B. och Chris Brown. Det kändes bara galet för mig att jag växte upp med deras musik runt omkring mig och såg deras videor, men jag hade faktiskt aldrig sett dem i verkliga livet. Så det var definitivt en konstig upplevelse, men eftersom jag var praktikant i en studio och gjorde mitt jobb så var jag bara tvungen att hålla saker professionella. Det var definitivt en lärande upplevelse att se hur dessa oerhört begåvade människor arbetade och skapade sin konst. Jag blev mer starstruck av processen än folket vid den tiden.
Du grundade earth + water records – det första skivbolaget som fokuserade på sina artisters välbefinnande och mångdimensionalitet. Låter som motsatsen till rock’n’roll-livet. Vad gjorde dig intresserad av denna livsstil?
Det är definitivt motsatsen till vad rock’n’roll-livet marknadsfördes som. Rock’n’roll-livet är dock inte så rock and roll när du pratar om artister som inte tas om hand, är beroende av droger och försummas för att stödja en massiv industri. Jag tror att folk glömmer att det de ser i intervjuer, musikvideor och på scenen bara är en mycket, mycket liten del av det som verkligen händer bakom kulisserna. Jag säger inte att konsten ska vara steril eller inte ha något element av utforskning och spänning. Jag skulle bara vilja se att konstnärer och kreativa fick stöd som människor och inte bara behandlas som en produkt för att driva intäkter. Vi har förlorat för många fantastiska artister som hade så mycket kvar att erbjuda världen på grund av försummelse och drivit vissa med dåliga vanor till sämre vanor. Det är synd att vi har börjat tänka på Rock and Roll som något som bara kan trivas när människorna som gör konsten inte tar hand om sig själva eller har ett slags tragiskt hjältekomplex. Det här är de människor som inspirerar generationer av människor och har förmågan att flytta massornas medvetande. Jag tror att precis som så många samtal i samhället i dag flyttas för att fokusera på hållbarhet, så måste vi inom musikindustrin också ha dessa samtal. Stor konst kan också göras av friska och glada människor. Du behöver inte vara en torterad konstnär för att skapa bra konst och det är det vi fokuserar på med denna satsning. Vi älskar och hjälper konstnärerna som inspirerar oss mest att leva ett hållbart och givande liv. Vi tror att detta på sikt ger ett bättre resultat för alla, och inte bara som nettoinkomst.
Det måste vara svårt att alltid gräva på djupet för att få ut det bästa uttrycket i studion. Är det lättare med andra artister eller när du arbetar med ditt eget material?
Det som är roligt är att det är svårt att börja, men lätt att hålla det igång. Vad jag menar med det är att det är svårt att vara sårbar i en session där du först träffar någon och det kan kännas skrämmande, men när någon tar det första steget är det magiskt och lättande. Att vara sårbar och verklig är mänskligt. I det stora hela så handskas vi med samma problem som andra, och om en person är villig att dela med sig av vad de verkligen går igenom har det i allmänhet en dominoeffekt. Det första modiga steget leder till att andra i rummet känner sig bekväma med att dela djupare delar av sig själva. Jag tror att detta skapar den bästa konsten, för den talar till den sanna kärnan om hur det är att vara en del av den mänskliga upplevelsen. Som lyssnare har vi alltid älskat artisterna som bär sin själ på en skiva. Ofta för att många av våra dagliga relationer inte går så djupt. När folk frågar ”hur mår du?” De vill ofta inte ha det riktiga svaret men ställer frågan som en artighet. Detta är inte alltid fallet, men jag tror att det är det för en stor majoritet av människor, särskilt i staterna. Så när konstnärer lägger in sina sanna känslor, osäkerhet, och prövningar i sin konst kan det ibland kännas som en av de djupare relationerna vi har i det dagliga livet. När det gäller huruvida det är lättare med någon annan eller mig själv, tror jag att det är som de flesta saker i livet lättare att arbeta med någon annans problem snarare än dina egna. Men även när jag arbetar med andra artister gör jag det till en utgångspunkt att träffa dem där de är och försöker vara lika sårbara som de är. Det skapar ett mycket starkt band, och det bandet är nödvändigt i ett förhållande som detta. Att skapa konst för människor är ungefär som terapi, och människorna du arbetar med behöver vara pålitliga och följsamma, annars leder det bara till mer ytnivåmusik och enligt min mening har det inte samma relatabilitet på lång sikt.
Var dina föräldrar musiker? Växte du upp med musik?
Mina föräldrar var inte musiker, men konst i allmänhet fick mycket stöd i vårt hushåll. Min mammas sida av familjen var dock mycket musikalisk, och jag spelade ofta med kusiner och mostrar och farbröder på familjesammankomster. Min farfar på min mors sida var också mycket intresserad av barbershop, som är en form av kör för människor som inte vet det. Så när jag skulle besöka honom i Florida eller om han kom upp till New Jersey skulle jag följa med honom för att träffas och sjunga. Generellt sett var jag den enda unga personen där och jag blev bara kär i det hela. Jag växte också upp med att spela i den lokala kyrkan och min skolgång hade alltid någon komponent av musik.
När du skriver för andra artister, är det ibland ett svårt beslut om de ska få låten eller om du ska behålla den själv?
Ja, det kan vara svårt om det inte definieras i förväg. Men om jag vet att jag ska göra musik för någon annans projekt blir det definitivt lättare att lämna den ifrån sig. Jag har märkt att detta blir lättare med tiden på grund av mängden låtar jag skriver varje vecka. Det finns nästan ingen möjlighet till att jag skulle kunna ge ut allt själv, så att ge bort lite har blir lättare. När jag var yngre tror jag att varje låt var mer värdefull på grund av den tid det tog att få till något bra. Jag tror att jag alltid var orolig djupt i mitt inre att jag inte skulle kunna göra det igen, men med tiden förändrades det förhållandet. Nu är jag säker på min förmåga att skapa nya och spännande låtar och då det är lite lättare att skilja från dem.
Om du kunde välja någon artist (död eller levande) att göra en duett med vem ska du välja?
Ärligt talat skulle det förmodligen vara Frank Sinatra. Jag älskade alltid hans stil och hur han gjorde låten till sin. Det var något så speciellt och befallande i sättet hur han sjöng, och jag skulle gärna vilja lära mig mer av honom. Det skulle också göra min farfar ganska glad att se det hända så det finns lite nostalgi i det för mig också.
